Ювелирные изделия эпохи Возрождения

- Строд Анна · Опубликовано 18.01.2026 · Обновлено 18.01.2026

Оглавление

В середине XV века в Италии произошли изменения в общих художественных стилях. Художники начали черпать вдохновение в мире Древней Греции и Рима. Благодаря покровительству королевских и знатных семей чрезвычайно богатых итальянских городов многие мастера получили возможность посвятить свою жизнь личному развитию мастерства и художественного стиля. Классическое влияние проявлялось не столько в прямом копировании техник, сколько в общем стилистическом языке, заимствованном у античной скульптуры.

Ювелирное искусство не подверглось прямому воздействию этих изменений: в то время почти не было известно античных украшений, за исключением уцелевших камей, которые оставались модными на протяжении всего Средневековья. Древние техники, такие как филигрань или полностью золотые, тонко выполненные украшения, не были возрождены. Связь с античным миром обеспечивали прежде всего классические и мифологические сюжеты. Библейские темы, характерные для Средневековья, не утратили своей популярности в эпоху Возрождения и продолжали использоваться в ювелирных изображениях. Из Италии новый стиль постепенно распространялся на север в течение XVI века, медленно вытесняя готический стиль Средневековья.

Стили и техники

Новый художественный стиль был особенно заметен в живописи и скульптуре, и именно через эти виды искусства ювелирное дело испытало наибольшее влияние. Многие великие мастера эпохи Возрождения начинали свою карьеру в мастерских золотых дел мастеров, где обучались точности линии и ясности формы. Это привело к тесной связи между живописцами, скульпторами и ювелирами и, вероятно, объясняет исключительную точность изображения украшений на портретах эпохи Возрождения. Эти произведения живописи позволяют получить беспрецедентное представление о ювелирных изделиях того времени наряду с изучением немногих сохранившихся предметов.

Европейская знать постоянно нуждалась в огромных суммах для финансирования многочисленных войн, и украшения рассматривались как форма переносимого богатства. Многочисленные описания заложенных украшений стали ещё одним ценным источником для исследователей истории ювелирного искусства, стремящихся получить представление об украшениях той эпохи.

Сохранившиеся изделия демонстрируют выдающееся мастерство, однако, как уже отмечалось, именно живопись и эскизы позволяют осознать всё великолепие ювелирного искусства эпохи Возрождения. Золотых дел мастера становились специалистами в отдельных техниках, и узкая специализация считалась достоинством. Нередким было, что украшение проектировалось художником, отливалось и формировалось одним мастером, гравировалось и покрывалось эмалью другим, а закрепка камней выполнялась третьим специалистом. Помимо трудностей с атрибуцией изделия конкретной мастерской, даже разделение ювелирных украшений эпохи Возрождения на чёткие региональные группы представляет собой сложную задачу. Золотых дел мастера часто приглашались из-за границы, а международное распространение печатных ювелирных гравюр приводило к смешению стилей по всей Европе.

Шесть эскизов подвесных украшений; тушь и акварель на бумаге.
© Попечители Британского музея.

Изменения в дизайне украшений постепенно распространились из Италии во Францию, а затем в Германию и Англию в первой половине XVI века, следуя новым направлениям в живописи и скульптуре. Миниатюрная скульптура в украшениях стала наглядным следствием влияния «больших» искусств на ювелирное дело. Важным фактором распространения новых стилей стало и то, что художники начали создавать гравированные проекты украшений, которые можно было тиражировать и распространять по всей Европе. Многие из этих рисунков сохранились на протяжении последних пятисот лет и демонстрируют тесную связь с маньеристическим стилем.

Когда император Священной Римской империи Максимилиан I женился на Бьянке Марии Сфорца из Милана в 1494 году, его двор открылся итальянскому искусству. Распространение Возрождения по территории Священной Римской империи происходило медленно и постепенно, и готические украшения оставались популярными вплоть до середины XVI века. Тем не менее немецкие мастера приняли стиль Возрождения примерно к середине столетия, и их города стали важными центрами производства, привлекавшими ювелиров и дизайнеров со всей Европы. Аугсбург со временем стал одним из ведущих центров ювелирного производства.

Благодаря трактату Бенвенуто Челлини «Трактаты Бенвенуто Челлини о золотых делах и скульптуре» мы обладаем всесторонним пониманием техник, применявшихся ювелирами эпохи Возрождения. Челлини подробно и обстоятельно описал методы, доступные мастерам его времени. Чтение этого труда настоятельно рекомендуется всем, кто стремится понять ювелирное искусство XVI века. В нём рассматриваются ниелло, филигрань, эмаль, закрепка камней, фольгирование, огранка алмазов, литьё, золочение и многие другие аспекты ремесла.

К началу XVII века была изобретена новая эмалевая техника — эмаль «резиль». В этот же период появились и новые декоративные стили. Дизайны стали более натуралистичными, а композиции, основанные на расположении драгоценных камней, начали доминировать. Эпоха Возрождения постепенно уступала место барокко.

Материалы

В XVI веке приток драгоценных камней в Европу был больше, чем когда-либо ранее. Васко да Гама открыл прямой морской путь в Индию, обогнув мыс Доброй Надежды в 1497–1499 годах. Это позволило европейским купцам получать драгоценные камни непосредственно из Индии и привело к резкому увеличению ввоза алмазов. Лиссабон заменил Венецию в качестве главного торгового центра индийских самоцветов. В XV веке Брюгге был основным центром огранки алмазов, однако к 1500 году морской рукав, ведущий к его порту, заилился, и отрасль переместилась в Антверпен. Там она процветала до 1585 года, когда город оказался вовлечён в Восьмидесятилетнюю войну между испанским королём Филиппом II и восставшими нидерландскими провинциями. В том же году испанцы заняли Антверпен, а голландский флот блокировал морской доступ к городу, парализовав международную торговлю. Многие огранщики алмазов перебрались на север, в Амстердам, который стал и оставался главным центром огранки алмазов в Европе вплоть до XX века. Следует также упомянуть Париж, где действовала собственная община огранщиков.

Наиболее распространённой огранкой алмаза до начала XVII века была табличная огранка, после чего популярность приобрела розовая огранка. Эпоха Возрождения также ознаменовалась возрождением искусства резьбы камей.

Цветные камни сохраняли высокую популярность; наиболее востребованными были сапфиры, рубины и изумруды. Помимо Лиссабона, важным центром торговли цветными камнями стала Барселона, чему способствовали разграбления Южной Америки испанцами и португальцами. Первоначально основными источниками драгоценных камней, серебра и золота были захоронения и храмы, однако к середине XVI века испанцы обнаружили изумрудные месторождения в Колумбии и основали там рудники. Португальцы, в свою очередь, закрепились на Шри-Ланке, получив прямой доступ к месторождениям корунда. Бирманские рубины высоко ценились за их превосходный цвет. Жемчуг пользовался огромной популярностью и в основном добывался в Персидском заливе.

Производство имитаций драгоценных камней процветало. Широко применялись стеклянные вставки, фольгирование и изготовление дублетов. На рынок также поступали имитации алмазов из стекла, горного хрусталя или бесцветного циркона с Шри-Ланки. В Венеции производство искусственного жемчуга стало настолько серьёзной проблемой, что городские власти ввели суровые наказания: десять лет изгнания и отсечение правой руки.

Виды украшений

Два дизайна кулонов Хольбейна для драгоценных инициалов.
© Попечители Британского музея

Самым важным видом украшений эпохи Возрождения был подвес. Он заменил средневековую брошь как наиболее распространённое украшение и носился на ожерелье, длинной золотой цепи, прикреплялся к одежде или подвешивался на поясе. Подвесы часто проектировались так, чтобы быть видимыми с обеих сторон: их эмалированные оборотные стороны были столь же впечатляющими, как и украшенные камнями лицевые поверхности. С конца XV века встречаются и функциональные подвесы, такие как подвесы с зубочистками и ушными палочками.

Религиозные подвесы оставались в моде и изображали библейские сцены в виде миниатюрных скульптур или священную монограмму IHS, происходящую, как считалось, от греческого имени Христа. Также встречались подвесы с инкрустированными инициалами владельца и его или её партнёра либо другого близкого человека, однако до наших дней дошли лишь немногие. Эти украшения были настолько личными, что их часто уничтожали после смерти владельца.

Большой популярностью пользовались подвесы с портретами, написанными эмалью, а также камеи. Распространены были арабески, мотивы фруктов, листвы, завитков и путти. Мифологические сюжеты с нимфами, сатирами и фантастическими существами, такими как драконы, стали популярны наряду с традиционными библейскими образами. Рассказы мореплавателей породили моду на украшения с кораблями, русалками и морскими чудовищами.

Кольца продолжали носить на всех пяти пальцах и даже на нескольких фалангах, в соответствии со средневековой традицией. Обычно они были инкрустированы камнями и украшались более пышно, чем когда-либо прежде. Скрытые полости под кастом позволяли помещать туда ароматические вещества, чтобы маскировать неприятные запахи, вызванные плохой гигиеной. Руку с кольцом можно было поднести к носу, когда запах становился невыносимым. Встречались кольца с компасами и солнечными часами, а позднее, во второй половине XVI века, в них начали встраивать настоящие часы.

Первые переносные измерители времени появились около 1500 года, однако наручных или карманных часов в современном понимании ещё не существовало. Механизмы встраивались в существующие украшения, такие как кольца, помандеры и подвесы. Помандер был ещё одним предметом, использовавшимся для борьбы с последствиями плохой гигиены: он наполнялся ароматной смолой или духами. Ситуация была настолько тяжёлой, что люди использовали меховые «ловушки для блох» из шкурки хорька или норки, надеясь, что блохи предпочтут мех человеческому телу. В эпоху роскоши даже эти предметы украшались, что видно на правой руке дамы на изображении справа. Картина приписывается английскому художнику и датируется примерно 1595 годом.

Украшения для одежды начали появляться по всему лифу платья, а не только по краям, как это было принято в Средневековье. Аиглеты, застёжки, золотые безделушки и скопления камней или жемчуга крепились по всей поверхности нарядов европейской знати. Фактически всё, что можно было украсить, покрывалось золотом и драгоценными камнями.

Серьги вернулись в моду после временного исчезновения в Средние века. Чаще всего это были простые грушевидные жемчужины или украшенные камнями подвески, которые либо продевались в проколотое ухо, либо привязывались к нему. Встречались и серьги в виде одиночных украшенных букв, чернокожих фигурок или фантастических морских существ. С начала XVII века дизайн стал более геометричным, а длина серёг увеличилась. Новым элементом в причёсках дам позднего Возрождения стали эгреты.

Взгляд на моду эпохи Возрождения

Раннее Возрождение в живописи

Со второй половины XV века громоздкие средневековые головные уборы уступили место тщательно уложенным причёскам, украшенным нитями жемчуга и ферроньерами. Новые фасоны платьев с более глубокими вырезами вернули в моду ожерелья, которые исчезли с женских шеек в Средние века. В портретах, упомянутых выше и ниже, эти изменения наглядно показаны. Со временем вырезы становились всё глубже, а украшения головы — всё более изящными.

Высокое Возрождение в живописи

Английский двор при Генрихе VIII

Портрет Генриха VIII. Около 1539–1540 гг.

Этот портрет печально известного английского короля иллюстрирует типы украшений, характерные для первой половины XVI века. Начнём с украшений на головном уборе Генриха. Мягкие бархатные шляпы были в моде по всей Европе и часто украшались одним или несколькими значками — от простых пуговиц до сложных ювелирных изделий. Наиболее типичным украшением шляпы был золотой круглый медальон с библейским или мифологическим сюжетом. Камеи также пользовались большой популярностью.

Ниже мы видим тяжёлый золотой воротник, украшенный жемчугом и бриллиантами, от которого свисает цепь с круглым подвесом в форме креста, инкрустированным драгоценными камнями. Цепь гармонирует с богато украшенной одеждой. Согласованные комплекты украшений и одежды, образующие парюры, пользовались большой любовью в эпоху Возрождения, и существуют записи о том, что почти каждый монарх владел несколькими такими комплектами.

На обоих указательных пальцах король носит кольца с огранёнными камнями.

Портрет Мэри Уоттон, леди Гилденфорд, 1527 год.

Три портрета — Мэри Уоттон, леди Гилденфорд слева, её муж сэр Генри Гилденфорд в центре и Джейн Сеймур, третья жена Генриха VIII, справа — дают представление о моде английской знати конца 1520-х годов. Дамы всё ещё носят громоздкие средневековые головные уборы, но их платья соответствуют новой моде с низким квадратным вырезом. Леди Гилденфорд носит короткое ожерелье с подвесом, кольца и длинные золотые цепи, проходящие по лифу платья в том же стиле, что и ожерелье. Леди Сеймур носит парюру, сочетающуюся с её платьем. Сэр Гилденфорд украшает шляпу эмблемой и носит тяжёлый воротник с подвесом.

Анна Клевская была четвёртой женой Генриха VIII. На портрете она изображена в элегантной парюре. Её голова покрыта чепцом, к левой стороне которого прикреплён необычный подвес, свисающий над левым ухом. Края чепца украшены драгоценностями в северной традиции. Короткое ожерелье состоит из цветочных элементов с камнями в центре и белой эмалью, перекликающихся с отделкой её платья. От него подвешен крест с драгоценными камнями. Кроме того, она носит длинную цепь из массивных звеньев, дважды охватывающую шею, и несколько колец.

Период правления Елизаветы (1558–1603) ознаменовался иным направлением моды. При Генрихе VIII мужчины носили столько же, а возможно и больше, украшений, чем женщины, однако теперь ситуация изменилась. Елизавета была большой поклонницей украшений, что видно по многочисленным её портретам. Следуя её примеру, женщины стали носить более пышные украшения, чем мужчины. Платья закрывались у горла высокими воротниками, а ожерелья носили поверх одежды, подвешивая к ним крупные подвесы. На портрете двадцатисемилетняя Елизавета изображена в довольно скромном наряде, украшенном лишь несколькими аиглетами.

На этом портрете, созданном примерно пятнадцать лет спустя, она предстает в значительно более роскошном платье. Её волосы украшены нитями жемчуга и другими драгоценностями. Вокруг шеи — пара очень длинных жемчужных нитей, ниспадающих по богато инкрустированному лифу. К её поясу подвешен крупный подвес с огромным рубином. Рукава платья украшены жемчугом у запястий и на плечах. Если присмотреться, за её левым локтем на столе можно заметить инкрустированную корону.

На этом портрете особенно очевидна любовь Елизаветы к украшениям. Её платье усыпано жемчугом и драгоценными камнями. На голове — украшение из жемчуга и самоцветов. Украшенные аграфы выстроены вдоль передней части платья. От плеч ниспадает массивная цепь должности с жемчугом и камнями, а края плеч также украшены драгоценностями. Позади виднеется трёхрядное жемчужное ожерелье. Вероятно, белые прорези на платье изображают аиглеты. На её левом запястье покоится украшенный горностай. Воротник густо усыпан жемчугом, а на пальце надето украшенное кольцо.

Филипп II Испанский иллюстрирует сдержанную манеру, характерную для испанских мужчин того времени. Вдоль края его шляпы располагается аккуратный ряд аиглетов. Он носит цепь должности с подвесом в виде Золотого руна, а его камзол и плащ украшены инкрустированными пуговицами. Ремень и эфес его меча, по-видимому, также отделаны золотом.

Его дочь, Каталина Микаэла, носит более пышную парюру из ожерелья и пояса, дополненную нитями жемчуга и кольцами. Жемчуг украшает её волосы и шляпу, а инкрустированные броши или аиглеты расположены по передней части платья. Около 1600 года Филипп III, преемник Филиппа II, ввёл законы, ограничивавшие ношение украшений женщинами и запрещавшие изготовление рельефных украшений для любых целей, кроме церковной утвари.

Портрет Франциска I, правившего с 1515 по 1547 год и современника Генриха VIII, показывает его в очень похожем наряде: бархатная шляпа с украшением в виде инсигнии и аиглетами, а также богато инкрустированная туника. Франциск любил украшения и в 1530 году фактически положил начало понятию «коронные драгоценности», объявив, что некоторые предметы станут неотчуждаемыми реликвиями для его наследников. Это понятие относилось только к драгоценным камням, поэтому их переустановка была допустима, и украшения часто обновлялись. Другие монархи последовали его примеру в последующие годы. Иронично, но Франциску самому пришлось закладывать большую часть своих украшений, и к концу жизни значительная часть его коллекции находилась в залоге.

Сын Франциска I, Генрих II, считается монархом, не любившим украшения. В период его правления Франция оказалась втянута в длительную полосу войн и потрясений, и ювелирное искусство пришло в упадок. Возможно, иронично, что здесь он изображён в виде эмалевого портрета, выполненного на позолоченной меди.

Елизавета Австрийская, королева Франции в 1570–1574 годах. Этот портрет был написан около 1571 года и изображает её в украшенном драгоценностями платье с рубинами, бриллиантами и жемчугом.